Showing posts with label pintura. Show all posts
Showing posts with label pintura. Show all posts

Friday, February 4, 2022

Pintura sobre tabla: 1- Los retratos de El Fayum en el Egipto romano de los Siglos II a IV de nuestra era

La pintura sobre tabla o simplemente tabla es aquella obra que utiliza la madera como soporte pictórico, no haciéndose distinción en cuanto a la técnica utilizada (óleo o temple, principalmente). La tabla puede presentarse sobre maderas enmarcadas, consiguiendo una apariencia similar a una pintura sobre lienzo, o bien sobre piezas que dan formas a distintos tipos de mobiliarios, los que pueden ir desde cofres, sarcófagos o altares, hasta una diversidad de objetos de uso cotidiano. La mayoría de los retratos de momias conservados fueron pintados sobre tablas o paneles, hechos de diferentes maderas duras importadas, como roble, tilo, sicomoro, cedro, ciprés, higuera y cítricos.
 
Los retratos de El Fayum o retratos de momias de El Fayum (la mayoría de los retratos de este tipo se han encontrado en esa región de Egipto, en particular es famosa la necrópolis de Hawara), cubren el rostro de muchas momias datadas de cuando Egipto era  provincia romana, Siglos II a IV,  realizados en encáustica o en tempera y reflejan un naturalismo sorprendente.  Los realizados en encáustica son de mejor calidad que los en témpera.
 
La encáustica del griego enkaustikos ('grabar a fuego') es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos, la mezcla tiene efectos muy cubrientes y es densa y cremosa, la pintura se aplica con un pincel o con una espátula caliente. El acabado es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sino como protección). Esta operación se denomina  encaustización y está muy bien  descrita por Vitruvio, arquitecto e ingeniero romano (c:a 70 -15 aEC),  así:
"Hay que tomar una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino bien secos".

Los retratos cubrían los rostros de los cuerpos que fueron momificados para el entierro. Los ejemplos existentes indican que estaban montados en las bandas de tela que se usaban para envolver los cuerpos. Casi todos ahora se han separado de las momias. Por lo general, representan a una sola persona, mostrando la cabeza, o la cabeza y la parte superior del pecho, vistas de frente. En términos de tradición artística, las imágenes derivan claramente más de las tradiciones artísticas grecorromanas que de las egipcias.


 
He aquí algunos ejemplos de retratos de El Fayum:

 











 

 
 
"En los primeros tres siglos de nuestra era, en un distrito fértil del Egipto romano llamado Fayum, floreció una comunidad diversa de griegos, egipcios, romanos, sirios, libios, nubios y judíos. Estas personas, y muchos de sus contemporáneos en todo el valle del Nilo, embalsamaban los cuerpos de sus muertos y luego colocaban sobre los rostros retratos pintados sobre paneles de madera o lino. Estas pinturas, hoy conocidas como Fayum, o retratos de momias, fueron creadas para preservar la memoria de cada individuo. Los retratos de Fayum son, con mucho, el conjunto de retratos más importante que ha sobrevivido a la antigüedad. En este llamativo libro se reproducen unas 180 de las más finas de las más de 1.000 imágenes existentes, de hombres, mujeres y niños, jóvenes y viejos, sencillos y hermosos, todos los cuales parecen misteriosamente vivos. Algunas de estas caras se han vuelto familiares para los estudiosos y los visitantes de los museos, pero en general han sido ignoradas por los historiadores del arte y serán nuevas para la mayoría de los lectores".
 
 
Por Ephrosyne Doxiades, Thames and Hudson Ed,1995


Por Susan Walker and Morris Bierbrier, British Museum Press, 1997




Tuesday, March 6, 2018

"La pintura como escenario". Exposición de Jaime Jaimes (Recorrido por la vida de un hombre de teatro) - y Segunda parte


Viene de ayer, por favor ver y leer  antes


 Arriba: "Pequeños problemas y trabajos prácticos",  de Jean Tradieu, ORTF, 1973
Abajo: Crítica y ensayos de "Les Battiseurs d´Empire", de Boris Vian, 
con Micheline Presle y Andrea Ferreol, 1974



 "El miedo", 1982-85

 "Polk Bar", 1882-85


 "Cosmos II"  y "Cosmos I", 1969-78

 Arriba: Actores caracterizados para la representación de "Raven´s Seed", 1983
Abajo: Jaime Jaimes con actores de "Crónica de un secuestro", 1979


 "Tres Reyes", 1969-78
 En la entrevista de José Montero Alonso a Jaime Jaimes tras el estreno de "Esperando a Godot" en el Teatro de la Infanta Beatriz, 1967, Jaime Jaimes ha expresado:

" (....) Me ilusiona, sobre todo ser maestro de teatro, forjador de vocaciones, estimulador y orientador de aptitudes. No lo limitado y material del director escénico sino, más ampliamente (de acuerdo con aquel sentido "total" del teatro), dar al espíritu del futuro comediante todo lo que de amor y de ética necesita su profesión. Ser esto, "maestro de teatro", es, en realidad, una profesión prácticamente desconocida. Son muy pocos los que la siguen y la practican. El director escénico es ya cosa diferente".


 "Les mariés de la Tour Eiffel", de Jean Cocteau. TAF, Buenos Aires, 1964




"Madre hay una sola",  1980-83
 (Escaneado  del folleto de la Exposición)

  Y para finalizar este recorrido, las propias palabras de Jaime Jaimes en la misma entrevista antes mencionada que resumen, en cierta medida,   su esencia: 

"LLevo una vida solitaria. No creo en el brillo y el ruido de los exterior. Nada me dicen el relampagueo y el artificio de lo  mundano. Creo sólo en esta fuerza interior capaz de transmitir a los demás el fuego y el interés por el arte".


Espero que este recorrido por la trajectoria vital y artística de Jaime Jaimes les haya gustado, aunque nunca es lo mismo estar presente en la Exposición   y además, con el artista: una persona que irradia calidez , amabilidad, sencillez y una vida plena y vibrante.

Gracias nuevamente, María Sanfrutos Antón por haberme llevado a este encuentro maravilloso.





Monday, March 5, 2018

"La pintura como escenario". Exposición de Jaime Jaimes (Recorrido por la vida de un hombre de teatro) - Primera parte



Esta es la  primera retrospectiva de la obra pictórica de Jaime Jaimes -organizada por el Ayuntamiento de Málaga, Area de Cultura,  y comisariada por  Il Tyffatore del 1 al 26 de Noviembre de 2017 en las Salas Migorance del Archivo Municipal de Málaga- a la que me llevó María José Sanfrutos Antón cuando estuve de visita en la ciudad, a quien le estaré eternamente agradecida por haberme hecho conocer a un magnífico pintor y hombre de teatro,  quien  dejó entrever en su cálida sonrisa y mirada entre pícara y profunda,  su gran trayectoria vital. Trayectoria de  la cual su obra es testimonio. En esta exposición pudimos ver una selección de 63 acrílicos y dibujos a tinta seleccionados de entre la colección personal del autor. La muestra propone tanto un recorrido transversal por las fases evolutivas de la pintura de Jaime Jaimes, como un análisis y puesta en relación con su importante actividad teatral, apasionante mundo cultural y artístico de la segunda mitad del Siglo XX en Argentina, Francia, España  y EEUU desde un vivísimo punto de vista.

 
Jaime Jaimes entre María José Sanfrutos Antón y yo,
 Málaga, Nov. 2017 

Pero ¿Quién es Jaime Jaimes? Tomando la información vertida en el catálogo de la Exposición, la cual extracto empezaré diciendo que no sólo es pintor sino que también director de teatro y maestro de actores, que su verdadero nombre es Jaime Nipomnische y que nació en  1931 en Basavilbaso, Argentina, proveniente de una  familia humilde de expatriados rusos. Su infancia  hasta 1949 la pasó en Buenos Aires. A los 14 años viaja de polizonte a NY y después de la cuarentena regresa a su casa, esperando se le presente otra oportunidad para poder escapar de la asfixiante realidad en la que se halla inmerso. En este período la comisaria agrupó las pinturas relativas a la familia. En 1948 comienza a estudiar arte con Roberto Durán en Buenos Aires y estudia también en el Escuela de Artes  de la Universidad de Caracas.

1949- 1957  viaja a París a continuar su formación artística  y en Estrasburgo  a  formarse en el Centro Dramático del Este en Dirección de escena.  Siguiendo la huella de Jacques Copeau, se forma con Etienne Decroux, estudiando en su escuela de mimo y filosofía del gesto.  Luego viaja a Estrasburgo y en el Centro Dramático del Este se forma en Dirección de escena.  

1957-1965 regresa a Buenos Aires  y propone a la Alianza Francesa formar una escuela de Teatro, la primera TAF. Durante dos años se encierra prácticamente y trabaja  con sus alumnos, hasta montar "El rey desnudo" de Hans Christian Anderssen, un primer espectáculo para familiares.  La siguiente obra fue pública: "La estranguladora" de Tristán Bernard. Y durante los 8 años que dirige la escuela recibe muchos premios pasados los cuales la lega a sus alumnos.  Es en esta época que comienza a pintar. Y lo hace pintando abstracciones experimentando con materias como la cera, que calienta y a la que le agrega pigmentos.

Parte a Europa nuevamente 1966-1969  De Paris viaja a Madrid y conoce en el café Gijón a un nutrido grupo de artistas, siendo allí dónde consigue trabajo en la TVe, dirigiendo, realizando y traduciendo una cantidad abrumadora de obras para programas de Teatro de la época como "Teatro de siempre", "Hora Once", "Comedia de humor" o "Teatro para niños".  Incluso  es invitado por José Monleón a dirigir "Esperando a Godot" de Samuel Béckett en el Teatro Infanta Beatriz  con un éxito de crítica fantástico. La experiencia de vivir en España en la época franquista deja mella en su obra (ver por je. "Pax, El Dictador").

1969-1978  en París   experimenta con la TV y monta obras  encuadradas en el Teatro del absurdo y en pintura se vuelva en  el surrealismo.

1978-1997 se instala en Los Ángeles, California. Esta es una época de plena madurez profesional, vital, plástica.  La  idea principal que lo mueve es  la de forjar a una joven generación de actores iberoamericanos en el pleno corazón de Los Ángeles.  Creará aquí su segunda escuela de Teatro bilingüe, esta vez  español-inglés: El Teatro de la Unidad. A nivel pictórico desarrolla un proceso cuyo resultado calificará como "ícono cinético", utilizando punzón. 

1983-1985  va y viene de LA a San Francisco. Y crea su segundo Teatro de la Alianza Francesa TAF, esta vez en  en San Francisco, donde nunca antes se había hecho Teatro en francés.  En su obra pictórica,  pintura y hombre forman un todo;  pinta la vida en progreso, explora,  se interroga; buscando al otro se encuentra así mismo. Entra en contacto con los cuentos sufíes, mundos mágicos, sueños, cosmos, mujeres mundo-nutricias, maternidades universales.... etc., etc.

1997- en adelante. Málaga, la ciudad que le acoge en la actualidad. Jaime Jaimes, siempre fiel a sí mismo; desde la libertad, la pasión por aquello en lo que cree y el respeto por los demás sin importarle el que dirá ni los resultados obtenidos, dará siempre  lo mejor de sí.  Una escena teatral comprometida con la sociedad, confiando y creyendo siempre que la Cultura no sólo abre las vías para alcanzar los sueños, sino también para ser mejores personas.

Tengo muchas fotos tomadas con mi móvil de la Exposición pero he preferido escanear casi todo el Catálogo, para no desmerecer su obra:


 Jaime Jaimes con los actores de "El Triciclo", de Fernando Arrabal. 
Teatro de la Unidad, Los Ángeles, 1979

 "Deshaucio" (detalle parcial) 1974-75
"Familia", 1974-75 

 
"Hombre Pájaro",  1971-74

 Teatro de la Alianza Francesa en Buenos Aires


 
"Lava Roja", 1957
 "Abstracto Nro 1", 1966-69

 

 "Pax. El dictador", 1975-78


 "El humo", 1969-78


Sigue mañana la Segunda y última parte 


Saturday, January 16, 2016

Juan Manuel Blanes (1830-1901) y la bella y seductora Carlota Ferreira (1838-1912)

                                                 Retrato de Doña Carlota Ferreira, óleo sobre tela, 1883
                                                                             por Juan Manuel Blanes 
                                                 Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay


Blanes, fundador del arte uruguayo, con una iconografía patriótica que lo popularizó más allá de los límites territoriales, fue también un retratista de envergadura cuando envuelto por la pasión amorosa registró a Carlota Ferreira en la plenitud de sus facultades pictóricas. Mucha ha sido comentada la presencia mágica de esta arrogante (y maciza) figura femenina. Hay un efecto de atmósfera radiante que aleja esta pintura de la luz “tenebrista” de Caravaggio y la acerca al clima luminoso del modernismo. Al descender el punto de visión (que en el retrato decimonónico solía encontrase a la altura del rostro) al nivel de la cintura, enfatiza el tratamiento voluptuoso del cuerpo y “acerca” compulsivamente al espectador (1)

¿Pero quien era esta musa que inspiró al pintor? Poco se sabe a ciencia cierta y sin embargo, mucho se ha dicho de ella  y ha disparado las fantasías populares en tiempos en que imperaba la moral y el supremo recato al mejor estilo de Juan Luis Vives o mejor aún, de Fray Luis de León, y la hipocresía era moneda corriente. Igualmente, se han hecho eco de su historia la literatura, el teatro y la pintura.

Hija natural, según los documentos hallados, de Mercedes Ferreyro García, fue bautizada como Petrona Mercedes Ferreyro García el 9 de diciembre de 1840 en la Iglesia del Carmen en el barrio el Cordón,  de Montevideo.

En 1883 esta voluptuosa señora -a la sazón,  viuda del Min. de Hacienda Dr Emeterio Celedonio Regunaga (Digno nombre para tamaña mujer!!!)  23 años mayor que ella y del cual tuvo 2 hijos- visitó el taller de pintura de Juan Manuel Blanes,  con el objeto de encargarle una pintura de su difunto primer marido, que a la época la Señora ya era viuda  de un segundo marido, descendiente del célebre militar español y Gobernador de Montevideo, Don Juan Joaquin de Viana,  matrimonio que fue considerado por  la familia de tan insigne antepasado como un bochorno ya que era, huelga decirlo, de rancia estirpe española.

Al momento del encargo de la pintura del difunto Regunaga, Blanes, el pintor, que ya tenia un buen pedigree de amores complicados (como el de hacerle un primer hijo e incluso un segundo, a una mujer casada -María Linares- con la cual termina casándose al enviudar ésta del deshonrado marido que lo quería matar). En 1883  cuando Doña suculenta lo visitó, Blanes quedó de tal forma seducido pro sus encantos que  de inmediato iniciaron un turbulento romance que  colapsa estrepitosamente  tres años más tarde cuando Nicanor, el hijo menor de Blanes con María, que ya tenía 26 años,  huye con la irresistible amante de su padre. Nicanor  se casó en Buenos Aires con Doña Carlota, 22 años mayor que él, pero  a los seis meses Carlota pidió la anulación del matrimonio y Nicanor, alicaido y con el rabo entre las patas,  regresó a Montevideo antes de perder su rastro en Europa (Su hno mayor había muerto en un accidente, al poco tiempo, su madre también lo hizo,  y con su padre, la relación se había roto antes, como hemos de suponer; nunca más se vieron, y cuando Blanes padre lo buscó en Europa, no pudo hallarlo).

"Carlota tiene la atracción del abismo"(2)  había dicho María Linares en 1889, que había vivido en carne propia la infidelidad a gritos del marido y el drama de su hijo menor.

Doña Carlota Ferreira se nos casa una vez más en 1895, esta vez, con el Médico Psiquiatra  polaco Julio Jurkovsky, que tenía una brillante carrera en Uruguay, era decano de la Facultad de Medicina, viudo, con una hija - María Esther- de 12 años. Con Carlota y María Esther, este médico se mudó a Salto, bien cerca de la frontera Argentina y allí puso una Clínica Psiquiátrica, por la que Doña Carlota, ya adicta a la morfina, se paseaba por sus jardines.

"Mi colega polaco ha caído en brazos de una circe vieja y seductora, Carlota Ferreira. Ella y las dosis de morfina pronto terminarán con ese hombre tan capaz y trabajador, totalmente empobrecido y venido abajo. Por sus venas pasó por año, seguramente, medio quilo de morfina" dijo su colega, el Dr Carl Brendel (3).

El escritor Horacio Quiroga conoció a la hija del Dr Jurkovsky, María Esther, en el carnaval de 1898 y ella se convirtió en su primer amor. Pero Tanto Carlota como familiares de él, impidieron ese amor. En su libro "Cuentos de amor, de locura y de muerte" hay un relato inspirado en ese amor truncado donde Carlota es representada como la malévola cuñada del Dr Arrizabalaga.

La unión de Julio Jurkovski y Carlota tiene un final trágico.

El matrimonio se muda a Cosquín, Provincia de Córdoba, Argentina y allí  Julio junto con otro médico polaco que se vino con él,  instalan una clínica para el tratamiento de la Tuberculosis. Este fue un fracaso empresarial que llevo al socio a suicidarse, mientras que, Julio abandona a Carlota por una enfermera de la clínica -Rosalía-  y ambos se trasladan a Apóstoles, en la Pcia de  Misiones, Argentina. Rosalía enloqueció de amor -eso dicen- después de que Julio Juskovsky -que ya se había hecho heroinómano- muriera de una sobredosis en 1813.

De Carlota poco o nada se sabe desde que el psiquiatra la abandonara. Pudo haberse quedado en Córdoba o ido a Misiones tras la pareja. Cuenta la leyenda que la llamaban -por entonces- "la loca" por subir desnuda a los árboles cantando óperas italianas y que harta de la vida, terminó ahorcándose. 

Más sobre esta apasionante mujer en el libro de Diego Fischer Riquena "Carlota Ferreria. Retrato de la mujer que se inventó".  he aquí el prólogo. 

Detrás de cada cuadro pintado, siempre hay una historia y aún más,  si es un retrato.


 Notas y Fuentes:

(2)  Blanes, Carlota Ferreira y sus cuatro maridos 
(3) Moebius, 2010,  Memorias del Dr Brendel
WIKIPEDIA




Sunday, August 5, 2012

Exposición "Las miradas" de Graciela Roxana Otero - del blog "Mujeres descosidas"



 Hay tantas miradas como seres humanos en el planeta y la calidad de la mirada, nos define como seres humanos. Ya desde recién nacidos nos buscamos en el rostro de la madre que al devolvernos la mirada, nos confirma. Luego, viene el estadio del espejo en el que vemos nuestra imagen reflejada. Aprender a mirar el mundo, con una mirada limpia, genuina y puramente nuestra, requiere de un trabajo constante de irla liberando  de la carga atávica de la herencia y de los condicionamientos  de las circunstancias  presentes. En ese ir y venir de mi mirada a la tuya y de la tuya a la mía voy creciendo como persona, si soy capaz de ir trabajando los aspectos de mi personalidad que me devuelve el espejo, esos que no me gustan y que puedo mejorar. Igualmente, podré incrementar los que si me gustan. En mi  y solo en mí está ser el escultor de mi propia vida. 

Observación, aprendizaje constante, modificación: miradas que van  y vienen, miradas que evolucionan y crecen. Porque el Mundo  está constituido por miradas dinámicas, responsables, conscientes; no solo por las miradas ruines y mezquinas. La suma de miradas puede modificar el Mundo en el sentido que queramos;   por lo tanto, lo puede hacer más benigno para todos.

Pero... ¿qué  mejor que las miradas de la artista en sus propias palabras?: Las MIRADAS son -nos dice- las constantes que generan y modifican el devenir del pensamiento. Experimento con acrílico y diversos materiales descartables, con colores vivos y entremezclados, los cuales permiten seguir uno o varios caminos, conformando un mundo donde la textura y el espacio se logran unir a través de la mirada de cada espectador.  Y nos aclara: Transito mi obra en soledad y a través de la observación del otro me siento acompañada. Todas las miradas están involucradas y por ello las quiero compartir con ustedes.

Mi querida amiga del alma, la arquitecta y pintora Graciela Roxana Otero, conocida en el mundo de la blogosfera como Roxana, autora del blog "Mujeres descosidas" inaugura una nueva muestra hoy a las 17 hs en el Museo de la Casa de Yrurtia sito en O´Higgins 2390 en el barrio de Palermo de la ciudad de Buenos Aires.


¡Felicidades Roxana, te deseo el mayor de los éxitos!

y a todos los amigos en la zona: no se la pierdan. 


Nota: para ir a las notas de exposiciones de Graciela Otero  publicadas anteriormente  en De amores y relaciones, pulsar aquí  

Sunday, May 6, 2012

Sofonisba Anguissola (1532- 1625)



                                                    Autorretrato  1556- Museo Lancut-Polonia


Hoy quiero recordar y compartir con  uds, la historia de esta célebre pintora renacentista que nació en Cremona, Italia en 1532. Hija mayor de los nobles Amilcare y Bianca,  una joven extremadamente talentosa que revolucionó la historia del arte, al irrumpir con su genio en un mundo hasta entonces dominado por hombres, en el que ganó  sin embargo de ellos,  respeto y reconocimiento.

El padre de esta pintora era amante de las artes y le dio una educación liberal -nada común para las mujeres de la época-  e incentivó a la hija (al igual que a sus hermanos) a desarrollar sus talentos. El nombre de Sofonisba nos lleva al recuerdo de otra noble y valiente  carthaginesa, con destino trágico, que sin duda sus padres admiraban tanto como para ponerle su nombre.

A los 14 años el padre la envió junto con una de sus hermanas a estudiar con Bernardino Campi, un prestigioso pintor de la escuela Lombarda. Cuando éste se mudó a otra ciudad  cuatro años más tarde, Sofonisba continuó estudiando con  Bernardino Gatti (Il Sojaro). Así, en 1550 pinta al maestro Campi, pintándola a ella.




A la edad de 22 años, en 1554, viajó a Roma y conoció a Miguel Angel, quien le pidió que pintara a un niño llorando, pintó entonces a "Asdrubalo picado por un cangrejo de río" (el cuadro de aquí arriba)  y se lo envió a Miguel Angel quien de inmediato reconoció su talento en la complejidad expresada en el llanto del niño y la sonrisa de la niña -dos emociones difíciles de representar- dándole bocetos suyos para que ella los dibujara con  su estilo propio y le hizo recomendaciones sobre su trabajo durante unos dos años. Giorgio Vasari, otro artista e historiador del arte, estaba impresionado por su talento y la incluyó  en su obra magna sobre la vida de los artistas (masculinos, claro). Vasari llegó a decir que las  obras de Sofonisba eran hechas con  diligencia y exactitud tal, que los personajes parecían vivos y que solo les faltaba hablar. Viniendo de él, éste era un gran reconocimiento,  sin duda alguna. Sofonisba tenía también maestría sobre la técnica del sfumato, como pocos.

En 1558,  siendo ya una pintora establecida, fue a Milano a pintar al Duque de Alba que enseguida la recomendó al Rey Felipe II, quien al año siguiente la llamó a su corte para ser dama pintora de su tercera consorte Isabel de Valois (matrimonio parte  del tratado de paz de Cateau-Cambrésis 1559)






Reina Isabel de Valois








Felipe II de España







Al morir la Reina en 1568, el Rey tomó a Sofonisba a su cuidado y hubiera querido casarla con un noble de su corte pero al saber que ella ya estaba comprometida con Don Francisco de Moncada, hijo del Príncipe de Palermo, Virrey de Sicilia, se conformó con darle una gran dote de 12.000 libras. La pareja vivió en la corte de España unos ocho años y luego, bajo licencia real, se estableció en Palermo hasta que el marido murió en 1579. Al año siguiente Sofonisba  viajando a Cremona, su ciudad natal,  a bordo de un buque conoció al capitán, varios años menor que ella; se enamoraron perdidamente y se casaron. El joven  se llamaba Orazio Lomellino. Sofonisba tuvo la suerte de que ambos maridos la amaran y apoyaran en su carrera artística. Orazio y Sofonisba se establecieron en Génova en donde vivieron felices y comieron perdices durante muchos años, hasta que ella finalmente falleció,  a los 93 años.

 A  los 7 años de la muerte de Sofonisba,  su viudo  le rindió homenaje colocando una placa en su tumba con la inscripción: «A Sofonisba, mi mujer .... quien es recordada entre las mujeres ilustres del mundo, destacando en retratar las imágenes del hombre ... Orazio Lomellino, apenado por la pérdida de su gran amor, en 1632, dedicó este pequeño tributo a tan gran mujer».

Sofonisba ejerció una gran influencia en artistas masculinos posteriores como por ejemplo en Pedro Pablo Rubens, un mérito indiscutible, pero aún más siendo como fue,  una exitosa mujer pintora en un mundo al que la mujer -por el simple hecho de serlo- no tenía acceso (hasta entonces, recordemos, solo el varón  -generador de esperma- podía crear vida u obras, asignándosele a la mujer un lugar receptivo-pasivo),  abriendo  de esta manera el camino de la mujer en el mundo del arte, aún cuando no le fuera permitido, en general, pintar cuerpos enteros y  menos todavía,  desnudos. 


Sofonisba Anguisola: una joya femenina -entre la publicación de la gramática castellana de Antonio de Nebrija en 1492 y la muerte de Calderón de la Barca  en 1681- que engalana el Siglo de Oro Español.


Monday, March 14, 2011

de violines III: en la pintura.


Imposible hablar de violines en la pintura sin hacer referencia a Marc Chagall ( 1887- 1985) y a su obra en la que están muy presentes como elementos intrínsecos a la cultura judía de la que él forma parte.

Este artista plástico ruso francés - uno de los pivotes del modernismo del Siglo XX - sintetizó en sus obras elementos del cubismo ( en estructuras y campos), del simbolismo (en sus ensoñaciones), del faubismo, del surrealismo, de una manera deliciosamente naif y personal en la que abundan elementos de su pueblo natal en Bielorusia, Rusia.



El padre de Marc era era empleado de un comerciante de arenque y su madre vendía comestibles en su casa. Cuenta Marc en su Biografía (1960) que su padre tenía un trabajo muy duro - como exclavo de galeras - cargando barriles pero ganando solo 20 rublos al mes. Todos los días en invierno y verano iba a la sinagoga a las 6 de la mañana. Allí decía su rezo acostumbrado por uno que otro hombre recientemente fallecido, luego regresaba a la casa, preparaba su samovar, tomaba algo de té y se iba a trabajar. Pero el padre jamás se quejó de su trabajo, como jamás faltó en la casa pan, queso y manteca: símbolos eternos en la infancia de Marc. En su honor, Marc Chagall, ha pintado cuadros con motivos de peces.

En la Rusia de aquella época y durante décadas, la población judía había soportado numerosos ataques (pogroms) instigados por el gobierno. Existían, por eso, muchos prejuicios, segregación y discriminación contra los judios. Como resultado, éstos se vieron obligados a crear sus propias instituciones: escuelas, hospitales, cementerios, incluso manufacturaban ropa que vendian a otros pueblos de Rusia.



A Marc Chagall, como a cualquier otro niño judío no se le premitia estudiar en una escuela rusa, por eso hizo la escuela primaria en la escuela judía, en la que también estudió hebreo y La Biblia. Cuando Marc cumplió los 13 años su madre quizo inscribirlo en una escuela secundaria rusa. Sin dudarlo un momento, sobornó al director pagándole dos meses y medio del sueldo mensual que traia a casa su marido. A todo ésto - como habrán de suponer - cualquier elemento relacionado con el arte, era algo desconocido en el hogar de Marc, quien además era el mayor de nueve hermanos, ergo nueve bocas que alimentar, 18 piecitos que cubrir, cosa que los padres hacían con mucho cariño.



Hay más violines en la obra de Chagall: en este enlace : llamada "El violinista" y en este enlace: La boda rusa y el mismo aprendió a ejecutar este instrumento.



Un punto de inflexión en la vida de Marc ocurrió cuando éste vió a un compañero de clase dibujar: ¡Quedó fascinado! Fué para él como una revelación. Así que preguntó a su compañero como había aprendido a hacerlo y éste muy diplomáticamente le dijo " Ve a la Biblioteca, idiota, toma un libro con dibujos y copia el que más te guste".

Su madre casi desmaya al escuchar a su hijo decir " voy a ser pintor". No podía comprender porque Marc elegía una profesión tan poco práctica, sin embargo, no cortó las alas de su hijo, sino que todo lo contario: le brindó su incondicional apoyo y Marc comenzó a tomar clases de pintura en Vitebsk, ciudad cerca del pueblo dónde nació con el maestro Yehuda Pen.



Aquí un video precioso hecho por Yaellavie de la obra de Marc Chagall, con los violines de Maurice Sklar.





Y aquí una simpática animación de uno de los violinistas de Chagall hecha por Razshelach.






Marc Chagall produjo todo tipo de obras: pinturas, vitrales, coreografía para ballet, ilustraciones en libros, tapices, etc. Célebres son su vitrales en la Catedral de Reims y de Metz y en la sinagoga del Hospital Hadassa en Jerusalem.

Vivió 1906 a 1910 en Rusia (San Petersburgo) . 1910 a 1914 en Francia ( Paris). 1914 a 1922 en Rusia. 1923 a 1941 en la Francia ocupada de dónde se escapa a EEUU hasta 1948 en que vuelve a Francia ( Cote d¨Azur).





Fotos: Tomadas de la red.