El último día que pasé en Madrid el mes pasado, pude disfrutar de este magnífico musical basado en la novela de Noah Gordon"El médico", que trata -como muchos saben- de las aventuras de Rob J. Cole, un inglés que quiere aprender medicina con el médico más grande de la época, el persa Ibn Siná, conocido en occidente como Abicena, para lo que Cole viaja a su escuela de medicina en Isfahan.
El Compositor y director Iván Macías ha escrito la música y en palabras de Noah Gordon "desde la esencia misma de la novela" con la participación de una orquesta formada por 40 músicos y el talento de 41 actores y cantantes que forman parte del elenco.
Félix Amador se ha encargado del libreto (que también refleja y resume la esencia de la novela). Francesc Abós de la coreografía y la dirección, José Luis Sixto de la dirección general. Lorenzo Caprile, diseñó el vestuario y Alfons Flores, la escenografía.
Durante meses el Teatro Nuevo Apolo fue reacondicionado para el estreno mundial de este musical creado y desarrollado en España con una producción ciento por ciento española.
Adrián Salzedo encarnó el personaje de Rob. J Cole; Sofía Escobar, el de Mary y Ricardo Truchado y Fernando Samper, el de Avicena, Alain Damas, el del Sha, para nombrar unos pocos.
La lista de créditos es inmensa, me es imposible nombrarlos a todos, pero sin la estrecha colaboración y participación de cada uno de ellos, sabiamente dirigidos, no se habría logrado una obra tan emocionante, tan buena, tan especial en la que, nosotros, el público aplaudimos de pie.
Quien tenga la oportunidad de verla en el Teatro Nuevo Apolo, en Madrid, no se la pierda.
Nota: las fotos de esta entrada fueron tomadas con mi teléfono móvil y desde luego, la calidad es mala, aunque bastante buena para un raquítico portátil que es fundamentalmente teléfono.
Kuchipudi es una Danza dramática originaria de los estado-provincia de Andhra Pradeshy Telangana. Se
desarrolló como un arte religioso vinculado monjes itinerantes, a los templos y
a las creencias espirituales, al igual que las otras danzas clásicas de la
India.Kuchipudi se desarrolló en gran parte como una tradiciónvaishnavismoorientada hacia el dios Vishnu y su avatarKrishna y está
estrechamente relacionada con la danza Bhagavata Mela que se encuentra en el estado del sur Tamil Nadu.
La danza dramática de Kuchipudi comienza con una invocación.
Luego,
se presenta a cada actor disfrazado, se establece su rol, y luego se
realiza una breve presentación preliminar de baile con música (dharavu).
A continuación, la presentación presenta danza pura (nritta).
Esto
es seguido por la parte expresiva de la actuación (nritya),
donde los
gestos de la mano rítmicos ayudan a transmitir la historia.
La música vocal vocal e instrumental en el idioma telugu acompaña a la actuación.
Los instrumentos musicales típicos en Kuchipudi son mridangam,platillos, vina,flauta y la tambura. La popularidad de Kuchipudi ha crecido dentro de India, y se realiza en todo el mundo.
Kathakali Esta danza dramática es original del estado de Kerala, al Sur Oeste de la India. Es
un género de arte de "obras de teatro", pero que se distingue por el
maquillaje, los disfraces y las máscaras elaboradamente coloridas que
visten los bailarines-actores tradicionalmente masculinos (en la actualidad, incluyen femeninos)
Como
todas danzas clásicas de la India, sintetiza música,
actores vocales, coreografías y gestos faciales y de manos para expresar
ideas. Sin
embargo, Kathakali difiere en que también incorpora movimientos de
antiguas artes marciales indias y tradiciones atléticas del sur de la
India. También difiere en que la estructura y los detalles de su forma de
arte se desarrollaron en las cortes y teatros de los principados
hindúes, a diferencia de otras danzas indias clásicas que se
desarrollaron principalmente en templos hindúes y escuelas monásticas.
Los
temas tradicionales de las danzas Kathakali versan sobre mitologías populares, leyendas
religiosas e ideas espirituales de las epopeyas hindúes y los textosPuranas
Odissi Esta danza se originó en el estado-provinciaOdisha en la costa este de la India. En esta danza donde
los artistas y los músicos interpretan una historia mítica, un mensaje
espiritual o un poema devocional de los textos hindúes. particularmente de Vaishnavismo (dios Vishnu como avatar Krishna o Jagannath). También han expresado ideas de otras tradiciones como las
relacionadas con los dioses hindúes Shiva y Surya, así como las diosas
hindúes (Shaktism).
Odissi, grupo
En esta danza donde
los artistas y los músicos interpretan una historia mítica,
un mensaje
espiritual o un poema devocional de los textos hindúes,
El
repertorio de actuación de Odissi incluye la invocación,
nritta (danza
pura), nritya (danza expresiva), natya (drama de la danza)
y moksha (clímax
de danza que connota la libertad del alma y la liberación espiritual).
Se distingue particularmente de las otras formas de danza clásicas de la India por la importancia que da al tribhangi (literalmente: tres partes de quiebre), el movimiento independiente de la cabeza, pecho y pelvis y la postura básica conocida comochauka.
Consta
de dos estilos, uno solemne y espiritual realizado por mujeres y el otro
que se caracteriza por movimientos acrobáticos realizados por bailarines
disfrazados de mujeres.
Danza originaria del estado de Kerala al SO de la India. Recibe su nombre de Mohini, que
es uno de los avatares femeninos del dios Vishnu. Vishnu es el
preservador en la triada Bhrama, Vishnu, Shiva (el destructor). Mohini, como mujer, desarrollará todos sus encantos y poderes para doblegar los espíritus de la Naturaleza.
Mohiniyattam es una danza delicada, llena de eros y muy femenina. Tradicionalmente es un baile realizado sólo por mujeres después de un intenso entrenamiento.El
repertorio incluye música en el estilo carnático (música del Sur de la India),
cantando y actuando una obra de teatro a través del baile, donde la
recitación puede ser por un vocalista independiente o por la bailarina.La canción es típicamente híbrida en tamil-sánscrito llamada Manipravala.
Diosa de a danza Mohini, avatar del dios Vishnu
Danza kathak con fusión de danza clásica y contemporánea
El Natya Shastra es un texto de la India escrito en sánscrito atribuido a Bharata Muni, compilado c:a 500 aEC-500 EC que sienta las bases de las artes escénicas (teatro, danza, música, etc) El texto está dividido en 36 capítulos con un total de 6.000 versos.
Las ocho formas clásicas de danza india incluyen tres categorías de interpretación a saber: el Nritta, el Nritya y el Natya, presentes, por lo tanto, en cada danza clásica:
El Nritta es un aspecto abstracto, rápido y rítmico de la danza. El artista encarna un movimiento puro, en donde el énfasis es la belleza en el movimiento, la forma, la velocidad, el rango y el patrón. Esta parte del repertorio no tiene un aspecto interpretativo, no cuenta una historia. Es una actuación puramente técnica, y tiene como objetivo involucrar a los sentidos (prakriti) de la audiencia.
El Nritya es el aspecto más lento y expresivo de la danza que intenta comunicar sentimientos, en particular la historia con temas espirituales en las tradiciones de danza hindú. En una nritya, la actuación de baile se expande para incluir la expresión silenciosa de las palabras a través de gestos y el movimiento del cuerpo establecido en notas musicales. El actor articula una leyenda o un mensaje espiritual. Esta parte del repertorio es más que un disfrute sensorial, busca captar las emociones y la mente del espectador.
ElNatyaes una obra de teatro, típicamente una actuación en grupo, pero puede ser representada por un intérprete solo, donde el bailarín usa ciertos movimientos corporales estandarizados para indicar un nuevo personaje en la historia subyacente.
La esencia estética de las artes escénicas según este texto antiguo, no es la búsqueda del
entretenimiento per se, sino que el objetivo principal es el de transportar al espectador a otra realidad paralela, llena de maravilla y
dicha, donde experimenta la esencia de su propia conciencia y
reflexiona sobrepreguntas espirituales y morales. Define el drama como aquello que despierta estéticamente la alegría en el espectador,
a través del arte de comunicación del actor, que ayuda a conectar y
transportar al individuo a un estado interior súper-sensual. El arte de la danza, por lo tanto, involucra cada aspecto de la vida, a fin de glorificar y
regalar un estado de conciencia gozosa. La comunicación a través de los
símbolos es en forma de gestos expresivos (mudras o hastas) y pantomima puesta a la música. Los gestos y las expresiones faciales transmiten el ras (sentimiento, gusto emocional) y bhava (estado de ánimo) de la historia subyacente.
Esta danza se originó en Tamil Nadu, al sur de la India. Tradicionalmente la efectuaba una sola mujer y expresaba temas religiosos e ideas espirituales. Ha sido una forma de narración interpretativa de leyendas
míticas e ideas espirituales de los textos hindúes.
Es probablemente la danza más antigua. En la actualidad incorpora temas profanos.
La danza Bharatanatyam se caracteriza por mantener su torso superior fijo,
las piernas
dobladas o las rodillas flexionadas combinadas con un juego de pies
espectacular,
un vocabulario sofisticado de lenguaje de señas
basado en
gestos de manos, ojos y músculos faciales.
El baile está
acompañado por música y cantante,
y por lo general un gurú está presente
como director y conductor de la actuación y el arte.
Los Kathakas que eran viajeros nómades del Norte de la India que transmitían historias de las grandes epopeyas y la mitología
antigua a través de la danza, las canciones y la música de una manera
similar al teatro griego temprano. La danza Kathak
evolucionó durante el movimiento Bhakti, (mov. devocional teista del Sur originado en el Siglo VIII) particularmente al incorporar las historias de Krishna, uno de los avatares del dios Vishnu.
Estilísticamente, la forma de baile Kathak enfatiza los movimientos
rítmicos del pie,
adornado con pequeñas campanas (Ghungroo, ver la imagen aquí arriba),
y el movimiento armonizado con la música.
Las
piernas y el torso son generalmente rectos,
y la historia se cuenta a
través de un vocabulario desarrollado basado en los gestos de los brazos
y el movimiento de la parte superior del cuerpo, las expresiones
faciales, los movimientos del escenario, las curvas y los giros.
El foco principal de la danza se convierte en los ojos y los movimientos del pie.
Los ojos funcionan como un medio de comunicación de la historia que el bailarín intenta comunicar. Con las cejas, la bailarina da varias expresiones faciales.
La música carnática del Sur dela India ( Kerala, Karnataka, Nadu, Uttra Pradesh) se diferencia de la música clásica hindostanídel Norteen que enfatiza la estructura de
la canción, es mucho más teórica y tiene más reglas estrictas. Al igual
que toda música india, los conceptos claves son el raga(escala musical), y el tāḷa (ritmo).
Música Hindostani del Norte de la India
La música clásica hindostaní del Norte de la India, Pakistán, Nepal y Afganistán se creó a partir de la síntesis del canto
védico, de la tradición persa Musiqi-e assil y de tradiciones
folclóricas de la región. Esta música es interpretada tanto por indios musulmanes como por hinduistas.
Además de la voz humana, los instrumentos representativos son:
Arriba: "Pequeños problemas y trabajos prácticos", de Jean Tradieu, ORTF, 1973
Abajo: Crítica y ensayos de "Les Battiseurs d´Empire", de Boris Vian,
con Micheline Presle y Andrea Ferreol, 1974
"El miedo", 1982-85
"Polk Bar", 1882-85
"Cosmos II" y "Cosmos I", 1969-78
Arriba: Actores caracterizados para la representación de "Raven´s Seed", 1983
Abajo: Jaime Jaimes con actores de "Crónica de un secuestro", 1979
"Tres Reyes", 1969-78
En la entrevista de José Montero Alonso a Jaime Jaimes tras el estreno de "Esperando a Godot" en el Teatro de la Infanta Beatriz, 1967, Jaime Jaimes ha expresado:
" (....) Me ilusiona, sobre todo ser maestro de teatro, forjador de vocaciones, estimulador y orientador de aptitudes. No lo limitado y material del director escénico sino, más ampliamente (de acuerdo con aquel sentido "total" del teatro), dar al espíritu del futuro comediante todo lo que de amor y de ética necesita su profesión. Ser esto, "maestro de teatro", es, en realidad, una profesión prácticamente desconocida. Son muy pocos los que la siguen y la practican. El director escénico es ya cosa diferente".
"Les mariés de la Tour Eiffel", de Jean Cocteau. TAF, Buenos Aires, 1964
"Madre hay una sola", 1980-83
(Escaneado del folleto de la Exposición)
Y para finalizar este recorrido, las propias palabras deJaime Jaimesen la misma entrevista antes mencionada que resumen, en cierta medida, su esencia:
"LLevo una vida solitaria. No creo en el brillo y el ruido de los exterior. Nada me dicen el relampagueo y el artificio de lo mundano. Creo sólo en esta fuerza interior capaz de transmitir a los demás el fuego y el interés por el arte".
Espero que este recorrido por la trajectoria vital y artística de Jaime Jaimes les haya gustado, aunque nunca es lo mismo estar presente en la Exposición y además, con el artista: una persona que irradia calidez , amabilidad, sencillez y una vida plena y vibrante.
Gracias nuevamente, María Sanfrutos Antón por haberme llevado a este encuentro maravilloso.
Esta es la primera retrospectiva de la obra pictórica de Jaime Jaimes -organizada por el Ayuntamiento de Málaga, Area de Cultura, y comisariada por Il Tyffatore del 1 al 26 de Noviembre de 2017 en las Salas Migorance del Archivo Municipal de Málaga- a la que me llevó María José Sanfrutos Antón cuando estuve de visita en la ciudad, a quien le estaré eternamente agradecida por haberme hecho conocer a un magnífico pintor y hombre de teatro, quien dejó entrever en su cálida sonrisa y mirada entre pícara y profunda, su gran trayectoria vital. Trayectoria de la cual su obra es testimonio. En esta exposición pudimos ver una selección de 63 acrílicos y dibujos a tinta seleccionados de entre la colección personal del autor. La muestra propone tanto un recorrido transversal por las fases evolutivas de la pintura de Jaime Jaimes, como un análisis y puesta en relación con su importante actividad teatral, apasionante mundo cultural y artístico de la segunda mitad del Siglo XX en Argentina, Francia, España y EEUU desde un vivísimo punto de vista.
Jaime Jaimes entre María José Sanfrutos Antón y yo,
Málaga, Nov. 2017
Pero ¿Quién es Jaime Jaimes? Tomando la información vertida en el catálogo de la Exposición, la cual extracto empezaré diciendo que no sólo es pintor sino que también director de teatro y maestro de actores, que su verdadero nombre es Jaime Nipomnische y que nació en 1931 en Basavilbaso, Argentina, proveniente de una familia humilde de expatriados rusos. Su infancia hasta 1949 la pasó en Buenos Aires. A los 14 años viaja de polizonte a NY y después de la cuarentena regresa a su casa, esperando se le presente otra oportunidad para poder escapar de la asfixiante realidad en la que se halla inmerso. En este período la comisaria agrupó las pinturas relativas a la familia. En 1948 comienza a estudiar arte con Roberto Durán en Buenos Aires y estudia también en el Escuela de Artes de la Universidad de Caracas.
1949- 1957 viaja a París a continuar su formación artística y en Estrasburgo a formarse en el Centro Dramático del Este en Dirección de escena. Siguiendo la huella de Jacques Copeau, se forma con Etienne Decroux, estudiando en su escuela de mimo y filosofía del gesto. Luego viaja a Estrasburgo y en el Centro Dramático del Este se forma en Dirección de escena.
1957-1965 regresa a Buenos Aires y propone a la Alianza Francesa formar una escuela de Teatro, la primera TAF. Durante dos años se encierra prácticamente y trabaja con sus alumnos, hasta montar "El rey desnudo" de Hans Christian Anderssen, un primer espectáculo para familiares. La siguiente obra fue pública: "La estranguladora" de Tristán Bernard. Y durante los 8 años que dirige la escuela recibe muchos premios pasados los cuales la lega a sus alumnos. Es en esta época que comienza a pintar. Y lo hace pintando abstracciones experimentando con materias como la cera, que calienta y a la que le agrega pigmentos.
Parte a Europa nuevamente 1966-1969 De Paris viaja a Madrid y conoce en el café Gijón a un nutrido grupo de artistas, siendo allí dónde consigue trabajo en la TVe, dirigiendo, realizando y traduciendo una cantidad abrumadora de obras para programas de Teatro de la época como "Teatro de siempre", "Hora Once", "Comedia de humor" o "Teatro para niños". Incluso es invitado por José Monleón a dirigir"Esperando a Godot" de Samuel Béckett en el Teatro Infanta Beatriz con un éxito de crítica fantástico. La experiencia de vivir en España en la época franquista deja mella en su obra (ver por je. "Pax,El Dictador").
1969-1978 en París experimenta con la TV y monta obras encuadradas en el Teatro del absurdo y en pintura se vuelva en el surrealismo.
1978-1997 se instala en Los Ángeles, California. Esta es una época de plena madurez profesional, vital, plástica. La idea principal que lo mueve es la de forjar a una joven generación de actores iberoamericanos en el pleno corazón de Los Ángeles. Creará aquí su segunda escuela de Teatro bilingüe, esta vez español-inglés: El Teatro de la Unidad. A nivel pictórico desarrolla un proceso cuyo resultado calificará como "ícono cinético", utilizando punzón.
1983-1985 va y viene de LA a San Francisco. Y crea su segundo Teatro de la Alianza Francesa TAF, esta vez en en San Francisco, donde nunca antes se había hecho Teatro en francés. En su obra pictórica, pintura y hombre forman un todo; pinta la vida en progreso, explora, se interroga; buscando al otro se encuentra así mismo. Entra en contacto con los cuentos sufíes, mundos mágicos, sueños, cosmos, mujeres mundo-nutricias, maternidades universales.... etc., etc.
1997- en adelante. Málaga, la ciudad que le acoge en la actualidad. Jaime Jaimes, siempre fiel a sí mismo; desde la libertad, la pasión por aquello en lo que cree y el respeto por los demás sin importarle el que dirá ni los resultados obtenidos, dará siempre lo mejor de sí. Una escena teatral comprometida con la sociedad, confiando y creyendo siempre que la Cultura no sólo abre las vías para alcanzar los sueños, sino también para ser mejores personas.
Tengo muchas fotos tomadas con mi móvil de la Exposición pero he preferido escanear casi todo el Catálogo, para no desmerecer su obra:
Jaime Jaimes con los actores de "El Triciclo", de Fernando Arrabal.
