Marianne North (GB; 1830-1890) Biologa, pintora y viajera exploradora

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Marianne North en su casa en Ceilán, British India,  antes de 1879. 

Fotografiada por Julia Margaret Cameron.

 Marianne North fue una prolífica bióloga y artista botánica victoriana inglesa, notable por sus pinturas de plantas y paisajes, sus extensos viajes al extranjero, sus escritos, sus descubrimientos de plantas y la creación de su galería en el Royal Botanic Gardens, Kew. Comenzó a pintar flores después de la muerte de su madre en 1855. La familia tenía casas en Hastings y Londres en este período. Su interés en la botánica puede haber surgido de la relación de su padre con Sir Joseph Dalton Hooker, director de Royal Botanic Gardens, Kew. Sus primeros paisajes de acuarela se realizaron en un viaje a Europa con su hermana y su padre

 

Marianne North en la casa de la Sra. Cameron en Ceilán (1877)

 Fotografiada por Julia Margaret Cameron.

Después de que su hermana se casó en 1864 y su padre perdió su escaño en el parlamento, los dos pasaron aún más tiempo viajando, visitando Suiza y el Tirol del Sur.] Viajaron en Siria y a lo largo del Nilo en 1865-1867. Su padre se enfermó en los Alpes en 1869, y ella lo trajo de regreso a Hastings, donde murió. Ella continuó pintando como una forma de calmar su dolor. Después de la muerte de su padre en 1869, ella viajó e hizo pinturas en Sicilia. 

 En 1871-1872, viajó a Canadá, Estados Unidos y Jamaica, y pasó un año en Brasil, donde realizó gran parte de su trabajo en una cabaña en las profundidades de un bosque. North fue alentada a visitar América del Sur por Frederic Edwin Church, a quien consideraba "el mejor pintor paisajista vivo" y cuya casa en Nueva York, Olana, visitó dos veces.

Water Palace - Chitore. India. Decr. 1878, British Library
 

Marianne North  Desde  1875 en adelante por tres años, después de unos meses en Tenerife, comenzó un viaje alrededor del mundo, y durante dos años pintó la flora de California, Japón, Borneo, Java, India y Ceylán.   Y es aquí en donde conoció a  Julia Margaret Cameron.

Olearia argophylla, Marianne North Gallery, Kew Gardens.

Flores y frutos del mangostán y el mono de Singapur.

Nepenthes northiana (c. 1876), Galería Marianne North, Kew Gardens.

El  Taj Mahal en  Agra,  India, Marianne North Gallery, Kew Gardens. 

La Galería de Arte Botánico Marianne North en Kew Gardens

Interior de la Galería

Elisabetta Sirani (It. 1638 - 1665) pintora barroca que en su corta vida sentó escuela en Bologna

Autorretrato como una alegoría a la pintura (1658) 

Museo Pushkin. Moscú, Rusia Fed.

Elisabetta Sirani nacida en Bolonia en 1638 fue una pintora italiana de estilo barroco y uno de los últimos representantes de la brillante escuela boloñesa del Siglo XVII. Fue una de las primeras mujeres pintoras de proyección internacional, pero su prematura muerte con 27 años de edad truncó una carrera que pudo haber evolucionado hacia el barroco decorativo que abanderó Luca Giordano. Aunque su prematura muerte, en agosto de 1665 (probablemente de por peritonitis debido a una úlcera péptica) limitó su carrera a apenas una década, Sirani dejó una producción sorprendentemente amplia: 200 pinturas, así como dibujos y diversos grabados.

 Virgen con hijo (1663)   

Museo Nacional de Mujeres artistas, Washington DC, USA

 Portia hiriendo su muslo (1664) 

Collezioni d'Arte e di Storia della Fondazione Carisbo, Bologna, Italia

Retrato de Beatrice Cenci (1662)

 Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma

 Cuando en 1654 su padre  Giovanni Andrea Sirani quedó incapacitado por la gota, Elisabetta Sirani comenzó a dirigir el taller de su familia. Ella era en este punto el principal sostén de la familia. Entre los honorarios de sus estudiantes y las comisiones de retratos, pudo mantener a la familia. Su estudio tuvo mucho éxito, en parte debido a la atmósfera progresiva de Bolonia, donde las mujeres artistas fueron aceptadas y celebradas.  Sirani nunca se casó.

 José y el infante Jesús

 Alegoría  de Justicia, Caridad y Prudencia

 Judith y Holofernes (1658)

 Lakeview Museum of Arts and Science, Peoria, Illinois, USA

 Judith y Holofernes

Museo Walters de Baltimore, USA.

 St. Anthonio de Padua, (1662)

 Pinocoteca, Bologna, Italia

Alegoría de la música (1659),

Wallraf-Richartz Museum, Colonia, Alemania

Judith Jans Leyster (Hol 1609-1660) pintora barroca

Judith Jans Leyster, autorretrato (1630), fue su pieza de presentación ante el Gremio Haarlem de pintores del cual era miembro. Este trabajo marca un cambio histórico desde la rigidez de los autorretratos de las mujeres anteriores a favor de una pose más relajada y dinámica.

Esta pintora holandesa de la Edad de Oro, Nació en 1609 y murió el 10 de febrero de 1660 .

Si bien fue exitosa en vida, su Obra fue olvidada después de muerta
porque hasta 1893 toda su obra había sido atribuída erroneamente
a Franz Hals o a su esposo Jan Miense Molenaer.  

En 1893 el Louvre descubrió la firma de ella en un cuadro que tenía
 la firma falsa de Frans Hals cubriéndola.

 Blompotje (Flores en un florero) (1654)

Hija de un cervecero de Haarlem caído en bancarrota, se especula que ella estudió pintura para mantener a la familia. Ella pudo haber aprendido a pintar de Frans Pietersz de Grebber, quien dirigía un taller respetado en Haarlem en la década de 1620. Luego, la familia se mudó a la provincia de Utrecht, y ella pudo haber entrado en contacto con algunos de la escuela Caravaggista de Utrech

 Jolly Toper (1629)

 Niño y niña con gato y anguila  

(1640)

Trio feliz
(entre 1629 and 1631) 

En 1636, Leyster se casó con Jan Miense Molenaer, una artista más prolífica que ella que trabajó en temas similares. Con la esperanza de mejores perspectivas económicas, se mudaron a Amsterdam, donde ya tenía clientes. Permanecieron allí durante once años antes de regresar a Heemstede en el área de Haarlem. Allí compartieron un estudio en una pequeña casa ubicada en el actual Parque Groenendaal. Leyster y Molenaer tuvieron cinco hijos, de los cuales solo dos sobrevivieron hasta la edad adulta.

  La  Proposición (1631) 

Joven flautista (1635)

 El bufón, copia del cuadro de  Frans Hals 

(1628)

Un juego de cartas (1633)

 

 

Un juego de Tric-Trac  (1630)

  Kannekijker
(Joven con jarra ) (1633)

El Concierto (1631–33) 

Judith Jans Leyster firmó sus obras con un monograma de sus iniciales JL con una estrella adjunta. Este era un juego de palabras: "Leister" significaba "estrella principal" en holandés y para los marineros holandeses de la época era el nombre común de la Estrella del Norte. Leistar era el nombre de la cervecería de su padre en Haarlem. Solo ocasionalmente firmaba sus obras con su nombre completo.

 

Rachel Ruysch (Hol, 1664- 1750) pintora barroco-clásica de naturalezas muertas, las flores son lo suyo

Retrato de Rachel Ruyisch por  Godfried Schalcken

Rachel Ruysch nació el 3 de junio de 1664 en La Haya, hija de los científicos Frederik Ruysch y Maria Post, hija del arquitecto Pieter Post. Su padre era profesor de anatomía y botánica.  Tenía una vasta colección de esqueletos de animales y muestras de minerales y botánica que Rachel usaba para practicar sus habilidades de dibujo.  A temprana edad comenzó a pintar las flores y los insectos de la colección de su padre a la manera popular de Otto Marseus van Schrieck.  Trabajando a partir de estas muestras, Rachel comparó la capacidad de su padre para representar la naturaleza con gran precisión.  Más tarde, cuando Rachel se hizo más exitosa, le enseñó a su padre (y también a su hermana, Anna Ruysch) a pintar.

En 1679, a los quince años, Ruysch fue aprendiz de Willem van Aelst, un destacado pintor de flores en Amsterdam. Su estudio en Amsterdam daba al estudio de la pintora de flores Maria van Oosterwijck. Ruysch estudió con van Aelst hasta su muerte en 1683. Además de la técnica de la pintura, él le enseñó a organizar un ramo de flores en un jarrón para que se viera espontáneo y menos formalizado. Esta técnica produjo un efecto más realista y tridimensional en sus pinturas. Cuando Ruysch tenía dieciocho años, ella estaba produciendo y vendiendo obras firmadas de forma independiente. También habría conocido y se había asociado con los pintores de flores Jan y Maria Moninckx, Alida Withoos y Johanna Helena Herolt-Graff, quienes tenían más o menos su edad y trabajaban para la propietaria de hortus, Agnes Block y con quienes, al igual que con  su padre, también trabajó con los recolectores de plantas Jan y Caspar Commelin.

En 1693 se casó con el retratista de Amsterdam Juriaen Pool, con quien tuvo diez hijos. A lo largo de su matrimonio y vida adulta, continuó pintando y produciendo comisiones para un círculo internacional de mecenas . Se esperaba que otras mujeres en este momento participaran en formas de arte que las mujeres practican más tradicionalmente, como la costura y el hilado. Ruysch continuó trabajando como pintora después de casarse, principalmente porque su contribución a los ingresos de la familia les permitió contratar ayuda para cuidar a sus hijos. Después de su muerte, a pesar de los cambios de actitud sobre las pinturas de flores, Ruysch ha mantenido una sólida reputación, logrando fama internacional en su vida. Debido a una larga y exitosa carrera que abarcó más de seis décadas, se convirtió en la pintora mejor documentada de la Edad de Oro holandesa, seguida por Jan van Huysum, quien llevó la pintura de flores a otro grado de popularidad

Rachel Ruysch disfrutó de gran fama y reputación en su vida. Cuando murió en 1750, once poetas le presentaron sus respetos con poemas sobre ella . En el siglo XVII, los holandeses estaban muy interesados ​​en las flores y la jardinería, por lo que las pinturas que resaltaban la belleza de la naturaleza eran muy valoradas. Esto ayudó a construir y mantener la clientela de Ruysch a lo largo de su carrera. En su vida, sus pinturas se vendieron a precios tan altos como 750-1200 florines. En comparación, Rembrandt rara vez recibió más de 500 florines por una pintura en su vida.

En 1999 se descubrió una pintura de Ruysch en una granja en Normandía y se vendió en una subasta por 2,9 millones de francos franceses, alrededor de US $ 508,000.

Josefa de Obidos (Port 1630- 1684) pintora barroca de naturalezas muertas y arte religioso

Hacia el año 1626, cuando Portugal y España cuando  estaban unificados, Baltasar Gómez Figueira, (su padre) natural de Óbidos y segundón de una familia acomodada, marchó a Sevilla con intención de ingresar en la carrera militar, pero acabó ganándose la vida en el taller del pintor Francisco Herrera el Viejo donde se ocupaba de hacer las pinturas y preparar las telas. 

En Sevilla se  casó con Catalina de Ayala Camacho (su madre), naciendo siete hijos de este matrimonio, entre ellos una niña, Josefa, bautizada en la parroquia de San Vicente el 20 de febrero de 1630, siendo apadrinada por Francisco de Herrera el Viejo. ​ El matrimonio regresa a Portugal a raíz de la restauración de la independencia nacional, pero Josefa permanecerá seis años más en Sevilla junto a su padrino, teniendo así oportunidad de entrar en contacto con el mundo del arte y dar muestras tempranas de unas dotes pictóricas que fue desarrollando de manera autodidacta. 

A los catorce años se instala en Óbidos junto a sus padres. A los dieciséis, ingresa en el convento de Santa Ana de Coímbra con la intención, a lo que parece, de profesar. Tres años después recibe el encargo de realizar algunos grabados para una edición de los Estatutos de la Universidad de Coímbra. A estos grabados se deberá su fama inicial.

 

 

 

En 1653  Josefa abandonó el convento, por causas que se desconocen, regresando a la casa paterna. Y, cosa completamente inusual para una mujer de su época, decide dedicarse a la pintura. Poco tardarán en lloverle encargos de conventos e iglesias. Hay obras suyas, por ejemplo, en el monasterio de Alcobaça o en el monasterio de los Jerónimos de Lisboa; así como peticiones para que realice retratos, entre ellos los de la familia real, por los que se hizo muy famosa. 

Nos han llegado más de cien de sus obras entre las que merecen destacarse sus cuadros de flores y las naturalezas muertas que forman la serie llamada «de los Meses». En su producción, tanto estilística como temáticamente, se nota una fuerte influencia de Zurbarán matizada por un personal estilo ingenuo. 

Josefa murió en Óbidos en 1684, a los 50 años. Fue enterrada en la iglesia de San Pedro de esta localidad.