Juan Manuel Blanes (1830-1901), el pintor reportero de Uruguay, o el primer pintor, o el pintor de la patria.

                               Episodio de Fiebre amarilla  por

                                 Juan Manuel Blanes (1830-1901)
        Realizado: c.1871
                       Técnica: Óleo   Soporte: Tela
               Medidas: 230 x 180 cm

Llamado «el pintor de la Patria» fue un persistente autodidacta hasta que el gobierno le otorgó una beca para formarse en Europa.(...)

Representante del academicismo europeo, por sus cuadros desfilan gauchos y batallas, hechos y protagonistas. En este caso, la terrible epidemia de fiebre amarilla en Buenos Aires, ha sido plasmada en esta tela de gran formato que es una de las piezas emblemáticas del Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.

Gracias al parte policial del Comisario Lisandro Suárez, se sabe que la mujer en el piso era italiana, se llamaba Ana Brisitiani y vivió en un conventillo de la calle Balcarce hasta encontrar su trágico fin el 17 de marzo de 1871. Los médicos, el Dr. Roque Pérez y su colega Manuel Argerich, poco tiempo después de ser pintados por Blanes, serían también víctimas de la enfermedad que combatían.

En esta obra se ve reflejado todo el dramatismo de la escena, un pequeño niño junto a su madre caída sin vida en el suelo de la habitación, los médicos asombrados y conmovidos en la puerta dirigen la mirada a la mujer y su hijo sin percatarse aún que tras la puerta en la semipenumbra de la habitación el padre de la criatura también yace muerto. La luz que se filtra desde la calle se derrama en el punto focal del cuadro que es una obra cúlmine de este autor. Juan Manuel Blanes fue a su modo un reportero de su tiempo.

Fuente:

Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.

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 Más:

Juan José Blanes y  su papel  en la pintura uruguaya del Siglo XIX, 
por Mónica salandru y  Fernando Rodríguez Compare

 Museo de Bellas Artes, Juan Manuel Blanes. Montevideo,  Uruguay.

Parque Rodó y la utilización del espacio público como difusor de educación y cultura: Espectros de lo (in)visible (y3)

Viene de aquí

Grecia. Esta toma fue realizada en Sounion, a corta distancia del templo de Poseidón, bajo la intensa luz de la luna llena en 209 tomas consecutivas. En primer plano se observa la Iglesia de San Juan rodeada  por ruinas de una vieja casa. En el cielo predominan dos tipos de rastros: los astrales y la ruta marcada por algunas pequeñas nubes que se encontraron en la toma por algunos minutos. Chris Kotsiopoulus, Grecia.

El Cielo de Rayos Gama. El Cielo entero visto a la luz de los rayos gama. El rasgo más prominente es la franja luminosa de brillo difuso a lo largo del centro del mapa, la cual marca el plano central de nuestra galaxia: La via láctea. Imagen resumen de 5 años de datos recolectados por el telescopio de Rayos Gama Fermi de la Nasa, el cual ha estado en órbita desde 2008. Nasa/DOE/Fermi Lat Collaboration, UK

Agujero de Ozono en desarrollo. Los mapas muestran el tamaño máximo alcanzado por el agujero de ozono sobre el Antártico cada año a partir de 1979 (arriba a la izq) y hasta 2014. La información fue obtenida mediante reflectancia ultravioleta y la transmisión de los datos desde una variedad de satélites. No hay info de 1995 (arriba der) puesto que no había satélite apropiado en órbita. El agujero de ozono aparece como una mancha color azul y magenta en cada cuadro definido por la región en que la concentración de ozono es menor a 220 unidades Dobson (UD). El agujero más grande fue visto en 2006 (abajo izq), momento en el cual llegó a cubrir 27 millones de km2. El ozono se destruye debido a sustancias creadas por el hombre como cloroflurocarbonos (CFC) en la atmósfera. La presencia de ozono es esencial para la vida humana   ya que - entre otras cosas- absorbe la mayor parte de la luz ultravioleta proveniente del sol y que nos hace daño. Nasa Ozone Watch, Reino Unido.  Más sobre el agujero de Ozono, artículo de Javier Sampedro para El Diario El País de España.

Parque Rodó y la utilización del espacio público como difusor de educación y cultura: Espectros de lo (in)visible (2)

Viene de aquí 

Secuencia de Luna Llena en el Faro. Miguel Charo, Portugal

El telescopio Chernekov Magic lleno de estrellas. Miguel Charo, Portugal

Ratros de estrellas sobre una torre en el pueblo Mytikas, en Evia central. Chris Kotsiopoulos, Grecia

Rastros de estrellas de 4 horas de duración sobre el antiguo Templo de Artemisa en Ática. Chris Kotsisopoulos, Grecia

Corona solar durante un eclipse total del sol (11 de Julio 2010) observado desde el atolón de Hao en la Polinecia francesa. El análisis de este tipo de imagen permite visualizar las estructuras de la corona de plasma y entender cual es la fuente del viento solar y los flujos de partículas energéticas. Fototeca CNRS.  Jean Mouette, Instituto de Astrofísica de París (IAP), Francia.

Arco Iris. Este arcoiris fue visible 2 min. La fotografía es una panorámica compuesta por 20 tomas y se llevó a cabo en Livadia, Grecia. Chris Kotsiopoulos, Grecia.

         Nebulosa de la Hélice, 650 años luz de la Tierra. Observatorio Europeo del Sur.



 Sigue mañana

Parque Rodó y la utilización del espacio público como difusor de educación y cultura: Espectros de lo (in)visible. (1)

 

La intendencia  (municipalidad) de Montevideo en una apuesta por la difusión de la Cultura, aprovechando el Fondo de Incentivo Cultural y apoyo de entidades privadas,  decide crear en 2002 el Centro de Fotografía de Montevideo,  dependiente de la Div. Información y Comunicación de la Municipalidad,  con el objetivo explicito de incentivar la reflexión y el pensamiento crítico sobre temas de interés social aprovechando el espacio público y la apertura que da el parque para presentar exposiciones fotográficas  al aire libre.  Es así y gracias a ello, que he podido disfrutar de esta interesante Exposición:  "Espectros de lo (in)visible: Nuestro universo planetario y astronómico",  coordinada por la EUNIC (Red de Institutos de Cultura de los Estados miembros de la Unión Europea) La EUNIC cuenta hoy con 33 miembros en 27 países de la UE y más de 90  entidades en todo el mundo; en un intento de promover y generar el diálogo intercultural no sólo entre las naciones Europeas, sino con las que no lo son, articula asociaciones  con diversos institutos asentados en países no pertenecientes en la UE. En el caso de Uruguay, operan con la EUNIC: El Goethe,  el Centro Cultural  de España, Alliance Française, La Fundación María Tsakos, el Istituto di Cultura, el Instituto Camões para a Cooperação e lingua y el Instituto Cultural Anglo-uruguayo. 

En las próximas dos entradas les mostraré algunas de las fotografías de los -alrededor de 30- paneles tomadas con mi teléfono móvil y evitando en lo posible, aunque no siempre, el reflejo de los árboles.

Sigue Mañana

Homenaje al maestro Octavio Podestá, escultor uruguayo, Exposición en la Universidad del Trabajo, Montevideo

 

 Octavio Podestá

Entrevista al escultor, aquí.

Noé, Siglo XXI

En Octubre, cuando estuve en Montevideo, Uruguay,  tuve el enorme placer de disfrutar de la  exposición de uno de los pintores más importantes de Argentina: Luis Felipe Noé, gracias a  los esfuerzos de la Fundación Unión y pozodeagua y la excelente curaduría de Cecilia Ivanchevich. La muestra se compone de 12 obras, incluyendo telas, instalaciones y esculturas  que resumen  la producción del artista en el Siglo XXI, de ahí el nombre.

 ¿Qué hago yo aquí?, 2013

 La estática velocidad, 2009

 

                                                                           Oximoron, 2014


  Nada mejor que las propias palabras de la curadora y que han sido publicadas en el catálogo de la Exposición:

Luis Felipe Noé es uno de los  artistas  más importantes de la Argentina. A su influyente y prolífica carrera como pintor suma una extensa obra ensayística. En 2006 enunció “(…) cuando pienso en el mundo, pinto, y cuando pienso en la pintura, escribo”. El motivo central de la obra de Noé es la relación del artista con su contexto: del hombre con el mundo, con su tiempo y espacio. El pensamiento de Noé, bajo la forma de la pintura o de la escritura, conforma distintas estrategias de interpretación y compromiso con el contexto. Noé fue un testigo de buena parte de los procesos y crisis del siglo XX y de lo que va del XXI. Es un observador crítico de las distintas etapas políticas de la Argentina. Los quiebres y tensiones, producto de los grandes cambios estructurales del mundo, de algún modo se ven evocados en su obra. Gracias a su naturaleza sensible y curiosa, Noé se vio impulsado a desarrollar una obra plástica y ensayística que él engloba bajo el nombre de teoría del caos. En 1965 escribe en su libro Antiestética: “Nuestra sociedad padece de la idea de orden como equilibrio y como hecho estático. Su única verdad es el desequilibrio. Constituye un hecho múltiple, de una multiplicidad polémica. Puede ser un todo. Un todo con elementos que tienen relación entre sí, una relación caótica pero relación, al fin. Esta relación constituye una estructura, una estructura del caos.”1 Treinta y nueve años después el artista se replantea el caos como una estructura interna en permanente cambio: (…) El caos es siempre gestativo, es un orden implícito. Asumir el caos es asumir ese orden al que nos negamos en defensa de uno anterior. Una civilización es el resultado de un orden asumido. La barbarie es el caos aún no asumido porque el hacerlo equivale a entenderse como orden. Toda civilización es una barbarie lograda, o sea, ha sido antes una barbarie. Caos es el orden que deviene, es el orden vital (…)2 Noé propone desarticular categorías dadas como opuestas -o diferentes- para plantear un orden dinámico en constante cambio. Por ejemplo, es común que en lenguaje cotidiano, cuando se utilizan los términos “antiestética”, “caos” o incluso “pintura”, se apliquen para su conceptualización formulaciones ya muy transitadas, sin plantearse muchas veces las modificaciones que corresponden a nuestra contemporaneidad. Es así que cuando Noé habla de “antiestética” (nombre del libro que cumple cincuenta años) se refiere a una necesidad de oponerse a la estética de su tiempo, para generar un nuevo proceso. Y cuando habla de “caos”, no lo hace bajo el concepto de "desorden" sino de un "orden" que deviene vitalmente. Es decir, los entiende como conceptos dinámicos, relativos a un contexto. Con esto anticipa conceptos centrales del pensamiento posmoderno. Cuando Noé piensa en el contexto histórico su pintura expresa una relación dialéctica: cuenta una historia a través de una estética propia, que rompe con ciertas reglas y las tensiona para proponer un orden distinto. El artista habla de una nueva imago mundi, por parte de un mundo que constantemente propone nuevas formas de pensarse a sí mismo. La selección de obras que componen esta exposición es un breve resumen de la producción de Noé en este siglo y refleja su poética del caos, tanto desde su desarrollo visual como hasta sus títulos. En “Caos SA” (2003) amalgama tensiones visuales, combinaciones de materiales y texturas para articular una imagen de gran pregnancia visual cuando se la mira de lejos, y exquisito refinamiento a la hora del detalle. (…) Si llamamos caos a todo lo que se escapa a nuestros habituales parámetros, con los que conformamos una visión general del mundo que pretendemos inalterable (y por eso lo denominamos “orden”), evidentemente el caos no existe. En ese caso es todo aquello que sentimos como desafío de nuestro concepto de realidad; con este nombre se conocían los genios maléficos que se alojaban en las cavernas del Cáucaso. Caos es el nombre de nuestros temores, de nuestros límites. En este sentido existe pero sólo en el imaginario. Temer al caos es temer ser desbordados en nuestra cosmovisión (…) 3 Su fascinación tanto por la incongruencia como por el mundo de la palabra se pone de manifiesto también en la obra “Oxímoron” (2014), donde da un nuevo giro a su teoría del caos. Aquí Noé toma conciencia de su deleite por la estructura sintáctica de dos palabras (o imágenes en este caso) de significados opuestos que originan un nuevo sentido. Este juego de oposiciones también es trabajado en “Facetas” (2014) y en “El difícil despegue” (2014) donde una trama de ojos que interpelan al espectador atraviesan las rítmicas líneas que orquestan esta obra, que a su vez se despega de la pared en forma irregular y asimétrica. También es un guiño a su propia producción artística, ya que el ojo utilizado es el mismo que en “Estática velocidad”, obra que representó junto a “Nos estamos entendiendo” a la República Argentina en la Bienal de Venecia de 2009. En mismo año realizó “Interferencias”, donde el espacio vacío es puesto en tensión por las siete piezas, tres sobre papel enmarcado en vidrio y cuatro irregulares en papel maruflado sobre tela. En esta obra, la pared pasa a ser relevante junto con las piezas que componen las obras, lo que también sucede desde la irregularidad orgánica o geométrica, como en “El estricto orden de las cosas”(2006) y “Global deconstruction” (2012). En la primera, la relación entre composición visual y título habla de conceptos opuestos en diálogo, que generan otro sentido. Distintos fragmentos de papel dibujado y pintado colocados uno casi sobre otro, yuxtaponiéndose levemente conformando una nueva visión quebrada, pero esta vez ya desde el detalle y fragilidad de la confección en contrapunto con la persistente irregularidad geométrica de sus límites. En cambio “Global deconstruction”, desde su forma orgánica, se recorta sobre la pared para centrarse en el par de conceptos centro/periferia. En un planisferio desplegado en el centro se ubican Europa y Estados Unidos circundados por Sudamérica, Asia y África. La obra de Noé se encuentra impregnada de velocidad, interferencias, contradicciones, facetas y deconstrucciones para poner en tela de juicio los órdenes escritos. Cecilia Ivanchevich 1. Noé, Luis Felipe (1988); El caos como estructura en Antiestética, Ediciones de la Flor, Buenos Aires, P.199 2. Noé, Luis Felipe (2006); Eso que llamamos caos en Noescritos, sobre eso que se llama arte, Ed. Adriana Hidalgo, Buenos Aires, P. 111 3. Noé, Luis Felipe (2006); IDEM, P.109 Curaduría: Cecilia Ivanchevich Coordinación general y producción: Macarena Montañez y Pincho Casanova (pozodeagua) / Alicia Pérez y Carolina Muniz (Fundación Unión)