Elisabetta Sirani (It. 1638 - 1665) pintora barroca que en su corta vida sentó escuela en Bologna

Autorretrato como una alegoría a la pintura (1658) 

Museo Pushkin. Moscú, Rusia Fed.

Elisabetta Sirani nacida en Bolonia en 1638 fue una pintora italiana de estilo barroco y uno de los últimos representantes de la brillante escuela boloñesa del Siglo XVII. Fue una de las primeras mujeres pintoras de proyección internacional, pero su prematura muerte con 27 años de edad truncó una carrera que pudo haber evolucionado hacia el barroco decorativo que abanderó Luca Giordano. Aunque su prematura muerte, en agosto de 1665 (probablemente de por peritonitis debido a una úlcera péptica) limitó su carrera a apenas una década, Sirani dejó una producción sorprendentemente amplia: 200 pinturas, así como dibujos y diversos grabados.

 Virgen con hijo (1663)   

Museo Nacional de Mujeres artistas, Washington DC, USA

 Portia hiriendo su muslo (1664) 

Collezioni d'Arte e di Storia della Fondazione Carisbo, Bologna, Italia

Retrato de Beatrice Cenci (1662)

 Galleria Nazionale d'Arte Antica, Roma

 Cuando en 1654 su padre  Giovanni Andrea Sirani quedó incapacitado por la gota, Elisabetta Sirani comenzó a dirigir el taller de su familia. Ella era en este punto el principal sostén de la familia. Entre los honorarios de sus estudiantes y las comisiones de retratos, pudo mantener a la familia. Su estudio tuvo mucho éxito, en parte debido a la atmósfera progresiva de Bolonia, donde las mujeres artistas fueron aceptadas y celebradas.  Sirani nunca se casó.

 José y el infante Jesús

 Alegoría  de Justicia, Caridad y Prudencia

 Judith y Holofernes (1658)

 Lakeview Museum of Arts and Science, Peoria, Illinois, USA

 Judith y Holofernes

Museo Walters de Baltimore, USA.

 St. Anthonio de Padua, (1662)

 Pinocoteca, Bologna, Italia

Alegoría de la música (1659),

Wallraf-Richartz Museum, Colonia, Alemania

Rachel Ruysch (Hol, 1664- 1750) pintora barroco-clásica de naturalezas muertas, las flores son lo suyo

Retrato de Rachel Ruyisch por  Godfried Schalcken

Rachel Ruysch nació el 3 de junio de 1664 en La Haya, hija de los científicos Frederik Ruysch y Maria Post, hija del arquitecto Pieter Post. Su padre era profesor de anatomía y botánica.  Tenía una vasta colección de esqueletos de animales y muestras de minerales y botánica que Rachel usaba para practicar sus habilidades de dibujo.  A temprana edad comenzó a pintar las flores y los insectos de la colección de su padre a la manera popular de Otto Marseus van Schrieck.  Trabajando a partir de estas muestras, Rachel comparó la capacidad de su padre para representar la naturaleza con gran precisión.  Más tarde, cuando Rachel se hizo más exitosa, le enseñó a su padre (y también a su hermana, Anna Ruysch) a pintar.

En 1679, a los quince años, Ruysch fue aprendiz de Willem van Aelst, un destacado pintor de flores en Amsterdam. Su estudio en Amsterdam daba al estudio de la pintora de flores Maria van Oosterwijck. Ruysch estudió con van Aelst hasta su muerte en 1683. Además de la técnica de la pintura, él le enseñó a organizar un ramo de flores en un jarrón para que se viera espontáneo y menos formalizado. Esta técnica produjo un efecto más realista y tridimensional en sus pinturas. Cuando Ruysch tenía dieciocho años, ella estaba produciendo y vendiendo obras firmadas de forma independiente. También habría conocido y se había asociado con los pintores de flores Jan y Maria Moninckx, Alida Withoos y Johanna Helena Herolt-Graff, quienes tenían más o menos su edad y trabajaban para la propietaria de hortus, Agnes Block y con quienes, al igual que con  su padre, también trabajó con los recolectores de plantas Jan y Caspar Commelin.

En 1693 se casó con el retratista de Amsterdam Juriaen Pool, con quien tuvo diez hijos. A lo largo de su matrimonio y vida adulta, continuó pintando y produciendo comisiones para un círculo internacional de mecenas . Se esperaba que otras mujeres en este momento participaran en formas de arte que las mujeres practican más tradicionalmente, como la costura y el hilado. Ruysch continuó trabajando como pintora después de casarse, principalmente porque su contribución a los ingresos de la familia les permitió contratar ayuda para cuidar a sus hijos. Después de su muerte, a pesar de los cambios de actitud sobre las pinturas de flores, Ruysch ha mantenido una sólida reputación, logrando fama internacional en su vida. Debido a una larga y exitosa carrera que abarcó más de seis décadas, se convirtió en la pintora mejor documentada de la Edad de Oro holandesa, seguida por Jan van Huysum, quien llevó la pintura de flores a otro grado de popularidad

Rachel Ruysch disfrutó de gran fama y reputación en su vida. Cuando murió en 1750, once poetas le presentaron sus respetos con poemas sobre ella . En el siglo XVII, los holandeses estaban muy interesados ​​en las flores y la jardinería, por lo que las pinturas que resaltaban la belleza de la naturaleza eran muy valoradas. Esto ayudó a construir y mantener la clientela de Ruysch a lo largo de su carrera. En su vida, sus pinturas se vendieron a precios tan altos como 750-1200 florines. En comparación, Rembrandt rara vez recibió más de 500 florines por una pintura en su vida.

En 1999 se descubrió una pintura de Ruysch en una granja en Normandía y se vendió en una subasta por 2,9 millones de francos franceses, alrededor de US $ 508,000.

Josefa de Obidos (Port 1630- 1684) pintora barroca de naturalezas muertas y arte religioso

Hacia el año 1626, cuando Portugal y España cuando  estaban unificados, Baltasar Gómez Figueira, (su padre) natural de Óbidos y segundón de una familia acomodada, marchó a Sevilla con intención de ingresar en la carrera militar, pero acabó ganándose la vida en el taller del pintor Francisco Herrera el Viejo donde se ocupaba de hacer las pinturas y preparar las telas. 

En Sevilla se  casó con Catalina de Ayala Camacho (su madre), naciendo siete hijos de este matrimonio, entre ellos una niña, Josefa, bautizada en la parroquia de San Vicente el 20 de febrero de 1630, siendo apadrinada por Francisco de Herrera el Viejo. ​ El matrimonio regresa a Portugal a raíz de la restauración de la independencia nacional, pero Josefa permanecerá seis años más en Sevilla junto a su padrino, teniendo así oportunidad de entrar en contacto con el mundo del arte y dar muestras tempranas de unas dotes pictóricas que fue desarrollando de manera autodidacta. 

A los catorce años se instala en Óbidos junto a sus padres. A los dieciséis, ingresa en el convento de Santa Ana de Coímbra con la intención, a lo que parece, de profesar. Tres años después recibe el encargo de realizar algunos grabados para una edición de los Estatutos de la Universidad de Coímbra. A estos grabados se deberá su fama inicial.

 

 

 

En 1653  Josefa abandonó el convento, por causas que se desconocen, regresando a la casa paterna. Y, cosa completamente inusual para una mujer de su época, decide dedicarse a la pintura. Poco tardarán en lloverle encargos de conventos e iglesias. Hay obras suyas, por ejemplo, en el monasterio de Alcobaça o en el monasterio de los Jerónimos de Lisboa; así como peticiones para que realice retratos, entre ellos los de la familia real, por los que se hizo muy famosa. 

Nos han llegado más de cien de sus obras entre las que merecen destacarse sus cuadros de flores y las naturalezas muertas que forman la serie llamada «de los Meses». En su producción, tanto estilística como temáticamente, se nota una fuerte influencia de Zurbarán matizada por un personal estilo ingenuo. 

Josefa murió en Óbidos en 1684, a los 50 años. Fue enterrada en la iglesia de San Pedro de esta localidad.

Louise Moillon (Fr, 1610- 1696) pintora barroca de naturalezas muertas

O a finales de diciembre de 1609 o a principios de enero  de 1610 nació Louise Moillon en Paris, en el distrito Saint-Germain-des-Prés, dónde se refugiaban los protestante perseguidos,  dentro de una familia de pintores calvinistas. Tanto su padre Nicolás como  uno de sus hermanos, Isaac,  lo eran. Comenzó su formación artística con su padre que muere en 1619, después de cuya muerte, la continuó -junto con su hermano Isaac- con su padrastro y segundo marido de su  madre, el pintor de naturalezas muertas y marchante  François Gardnier.  

En 1640 contrajo  matrimonio con el hugonote y mercader de madera, Etienne Girardot con quien tuvo tres hijos.

Tras el Edicto de Fontainebleau de 1685, por el que se revocaba el Edicto de Nantes, la familia Girardot fue perseguida y la propia Louise sufrió vejaciones. Su marido fue encarcelado y dos hijos huyeron a Inglaterra, en tanto otro fue convertido a la fuerza. 

Murió en París a los 86 años, en 1696. 

Louise Moillon se especializó en pintura de bodegones, comúnmente usando pintura al óleo sobre lienzo o panel de madera. También realizó trabajos que contenían principalmente frutas que generalmente estaban dispuestas en mesas. Su trabajo se caracteriza por la quietud y los detalles agudos, como la textura de la fruta exótica que se muestra brillantemente sobre un fondo oscuro. Ella usó elementos de Trompe l'oeil (Trampantojo)  para dar a los espectadores una ilusión y hacer que sus pinturas fueran realistas.  Moillon también creó repisas en sus piezas que se extendieron hasta el final del marco para mejorar la ilusión. 

 

Aunque Louise  Moillon pintaba bodegones, a veces aparecían figuras humanas en el fondo de sus piezas. Moillon fue uno de los primeros artistas franceses de bodegones en combinar figuras y bodegones antes de 1650 junto con otro pintor llamado Jacques Linard.  El estilo de Moillon utilizó elementos de la pintura flamenca mediante el uso de elementos del trampantojo  y el contraste de colores fríos y cálidos junto con aspectos de la pintura de género francés como se muestra a través del estilo compositivo de sus pinturas. 

La idea  de que Louise Moillon era muy apreciada por sus contemporáneos queda demostrada por los escritos de Georges de Scudéry (1646) que colocó su nombre junto a los pintores de bodegones Jacques Linard y Peter van Boucle (Pieter van Boeckel), comparando a los tres con Miguel Ángel , Aunque siguió pintando después de casada, la mayoría de las pinturas de Moillon fueron ejecutadas en la década de 1630, antes de su matrimonio en 1640 con Etienne Girardot de Chancourt. Su último trabajo fechado es de 1674. 

 

 

Lavinia Fontana ( It, 1552- 1614) pintora renacentista, maestra del retrato

Sobre Sofoniba Anguisola (Cremona, Italia 1535-1625) había hablado antes aquí, en esta entrada,  y como  desde hace mucho que debo una entrada a Lavinia Fontana, que precisamente estaba escribiendo y había guardado inconclusa, aprovecho que en estos días he visto la   muy recomendable Exposición en el Museo del Prado,  en Madrid,  (que se puede ver hasta el 2 de Febrero de 2020),  "Sofonisba Anguisola y Lavinia Fontana, Historia de dos pintoras" para concluirla y publicarla.

 

 Autoretrato c:a 1577

Lavinia Fontana (Bologna, Italia, baut  24 de agosto de 1552- Roma, 11 de Agosto de 1614) fue una pintora italiana  del primer barroco. Fue una de las pintoras más importantes de su época, dirigió su  propio taller y fue pintora oficial de la corte del papa Clemente VIII. El catálogo de su obra es bastante extenso, se tiene constancia de 135 obras suyas, aunque sólo se conservan 32 fechadas y firmadas.  

Lavinia era Hija de Prospero Fontana (1512- 1597), pintor  de prestigio en Bolonia,  con quien se formó y colaboró rodeada del círculo de humanistas del entorno paterno.

Lavinia,  amparada por el prestigio de Sofonisba, fue la primera mujer en abrir un taller propio, en el que desarrolló una notable actividad que se extendería a Florencia y a Roma, ciudad a la que se trasladó en la etapa final de su vida.

A diferencia de Sofonisba Anguisola, La producción de Lavinia Fontana  fue amplia y  variada. Realizó numerosos retratos y pinturas religiosas para Iglesias y oratorios privados, pero también se ocupó de asuntos mitológicos, género en el que el desnudo tenía un inusitado protagonismo.

Minerva vistiéndose, 1613. Galería Borghese, Roma

La exposición en el Museo del Prado se divide en 8 secciones y comienza presentando los retratos de las dos pintoras y  el cuadro de Minerva desnuda, vistiéndose,  por Lavinia Fontana. Una obra de sugestivos simbolismos que rompe con uno de los tabúes de la pintura "de mujeres": la representación del desnudo.

 Sofonisba Anguisola y  Lavinia Fontana representan dos modelos diferentes de pintora, cuyas personalidades, reconocimiento y trayectorias biográficas fueron decisivas para  abrir nuevos caminos a las mujeres que vendrían después. Ambas rompieron con los estereotipos sociales asignados a las mujeres en relación con la práctica artística, en la que imperaba un arraigado escepticismo sobre sus capacidades. 

Las dos mujeres nacieron en Italia, escenario privilegiado del arte realizado por mujeres, y ámbito además donde a lo largo del Siglo XVI hubo un notable interés por dignificar y educar a la mujer más allá de los conventos, donde desde la Edad Media residía la formación cultural y el desarrollo artístico femenino.

Además, muchas mujeres habían formado parte - y lo siguieron haciendo- de talleres familiares: hijas o esposas de artistas y artesanos que trabajaron de manera anónima en tareas diversas, pero sin significarse o tener la menor visibilidad.  Franquear el espacio doméstico para desarrollar una carrera profesional iba contra el decoro y la respetabilidad de las mujeres en la Europa cristiana. 

Notas:

 1- El Museo del Prado no permite que se tomen fotografías, así que estas son de la red. Todas son de Cuadros pintados por Lavinia Fontana.

2- Me he basado en el Catálogo  de la Exposición  para escribir esta entrada.